En photographie, comme dans n’importe quel secteur, vous devez être au top de votre art pour réussir. Si vous êtes un photographe professionnel ou que vous débutez dans le domaine, vous devez apprendre autant de termes photographiques que possible. Cela vous aidera à mieux comprendre les articles et les tutoriels photo, et vous pourrez aussi communiquer plus efficacement avec les clients, les éditeurs et les autres photographes. Comprendre les nuances qui existent et connaître les tenants et aboutissants peut faire votre carrière.
Dans l’article de Selfiz d’aujourd’hui, nous allons passer en revue cinq termes clés de la photographie que tout photographe en herbe devrait absolument connaître.
1. La composition
Commençons d’abord par la composition. La composition n’est pas propre à la photographie, mais s’applique à toutes les formes d’art visuel. En termes simples, la composition d’une image est le placement ou l’agencement des éléments visuels les uns par rapport aux autres.
La composition est essentielle pour créer une photo équilibrée et accrocheuse. Pensez-y de cette façon : un photographe est comme un chef d’orchestre, et chaque élément de la photo est comme un instrument dans un orchestre. Votre travail consiste à organiser tous les éléments visuels, afin qu’ils fonctionnent ensemble pour créer une image harmonieuse.
Il existe d’innombrables façons de composer une photographie, mais quelques directives de base peuvent vous aider à démarrer. Les principaux éléments de la composition sont :
- Lignes : les lignes peuvent guider le regard à travers l’image et créer une impression de mouvement. Il peut s’agir de lignes littérales, comme celles créées par une route. Les lignes implicites sont celles formées par le bord d’une table ou la courbe d’une rivière.
- Forme : les formes peuvent également créer du mouvement et diriger le regard. Elles peuvent être des formes géométriques, comme des carrés et des cercles, ou des formes organiques, comme des nuages ou des montagnes.
- Texture : la qualité de surface d’un objet est sa texture. Elle ajoute de la profondeur et de l’intérêt à une image. Vous pouvez l’utiliser pour donner l’illusion du mouvement.
- Modèle : le modèle est la qualité tridimensionnelle d’un objet. En termes de photo, elle fait référence à la hauteur, à la largeur et à la profondeur d’un objet.
- Motif : le motif est la répétition de lignes, de formes ou de couleurs. Il peut ajouter de l’intérêt et du rythme visuel à une image. Un mur de briques est un type de motif.
- Couleur : la couleur est l’un des éléments essentiels de la composition. Vous pouvez jouer sur les couleurs pour créer une ambiance, un contraste et une harmonie.
- Valeur : la valeur est l’obscurité ou la clarté d’une couleur, et est utilisée pour créer de la profondeur et du contraste à la photographie.
- Espace : c’est la zone autour, au-dessus et en dessous d’un objet. C’est ce qui crée un sentiment d’équilibre. Il existe un espace positif et négatif. L’espace positif est le sujet principal d’une image, et l’espace négatif est l’espace vide qui l’entoure.
Comme vous pouvez le constater, de nombreux éléments différents doivent être pris en compte lors de la composition d’une photographie. Si cela ne suffisait pas, il existe également des principes de composition, qui sont des lignes directrices pour l’agencement des éléments de conception. Les principes de composition les plus importants sont les suivants :
- Équilibre : l’équilibre est la répartition du poids visuel au sein d’une image. Une image peut être symétrique, où les éléments sont répartis uniformément de chaque côté du centre, ou asymétrique, où les éléments ne sont pas répartis uniformément.
- Contraste : c’est la différence entre la lumière et l’obscurité ou entre les couleurs. Un contraste élevé crée un fort impact visuel, tandis qu’un faible contraste est plus subtil.
- Accentuation : l’accentuation est l’acte d’attirer l’attention sur un élément particulier d’une image. Cela se fait généralement en rendant cet élément plus grand, plus sombre ou plus lumineux que les autres éléments.
- Mouvement : il peut être créé par des lignes, des formes ou des couleurs. Il peut rendre une image dynamique et excitante ou créer une sensation de calme et de sérénité.
- Unité : l’unité est le sentiment général d’harmonie dans une image. Tous les éléments doivent fonctionner ensemble pour créer un tout cohérent.
Ces concepts sont tous réunis dans une série de règles et de techniques de composition qui se sont développées au fil des ans. La règle des tiers est probablement la plus utilisée, nous allons en reparler un peu plus loin dans cette liste des termes à connaitre en photographie..
2. Le bracketing
Parfois, une seule photo ne suffit pas à capturer l’image parfaite. C’est là qu’intervient le bracketing. En termes de photographie, le bracketing consiste à prendre plusieurs photos de la même scène ou du même sujet, mais avec des paramètres d’exposition différents.
Par exemple, vous pouvez prendre une photo avec la bonne exposition, une sous-exposée et une surexposée. Cela augmente vos chances d’obtenir au moins une photo parfaitement exposée. Vous pouvez également combiner les trois prises de vue en post-traitement pour créer une seule image bien exposée.
Vous pouvez aussi l’utiliser pour d’autres paramètres, tels que la balance des blancs et la mise au point. Le bracketing de la balance des blancs prend des photos avec différents paramètres de balance des blancs pour trouver la dominante de couleur parfaite. Le bracketing de la mise au point consiste à prendre des photos du même sujet à différentes mises au point.
Lors du bracketing, vous devez utiliser un trépied pour que la composition reste la même. Si vous tenez l’appareil photo à la main, la photo peut être légèrement différente à chaque fois, ce qui rend le post-traitement plus difficile. Vous devez également disposer de beaucoup d’espace mémoire, car le bracketing peut rapidement remplir votre carte mémoire !
3. La règle des tiers
Comme mentionné plus haut, la règle des tiers est une technique de composition qui peut créer un équilibre et un intérêt visuel dans vos photos. L’idée de base est de diviser votre image en neuf sections égales à l’aide de deux lignes horizontales et de deux lignes verticales. Ensuite, placez le sujet principal de votre photo à l’intersection de ces lignes.
Par rapport au placement du sujet au centre de la photo, cette technique peut créer une composition plus agréable et visuellement plus excitante. L’œil est naturellement attiré par ces intersections, donc placer le sujet principal à cet endroit développe un sens de l’équilibre.
Bien sûr, la règle des tiers n’est qu’une ligne directrice. Vous n’êtes pas toujours obligé de la suivre à la lettre, et il y a des moments où placer le sujet au centre peut bien fonctionner. C’est également loin d’être la seule technique disponible.
Le nombre d’or est similaire à la règle des tiers mais comporte quelques ajustements. Il est basé sur un rapport de 1:1,6 ou une unité pour 1,6 unités. Tout comme la spirale de Fibonacci, le nombre d’or est présent partout dans la nature et est utilisé par les artistes depuis des siècles.
4. Le diaphragme
L’éclairage est l’un des éléments les plus importants de la photographie. Les photographes peuvent l’utiliser pour créer différentes ambiances et atmosphères, ce qui peut changer radicalement l’aspect d’une photo. Une façon de contrôler l’éclairage consiste à utiliser l’ouverture d’un appareil photo ou le diaphragme. Le diaphragme est l’ouverture de l’objectif qui permet à la lumière de passer. Voir notre article sur l’ouverture du diaphragme.
Généralement exprimé en fractions telles que 1/4 ou 1/8, plus le nombre est bas, plus l’ouverture est large. Plus la lumière pénètre dans l’appareil photo, ce qui donne une photo plus lumineuse. Vous pouvez également utiliser une ouverture plus large pour créer une faible profondeur de champ. C’est le cas lorsque l’arrière-plan est flou et que le sujet est net.
Un nombre de diaphragmes plus élevé entraîne une ouverture plus petite, qui laisse entrer moins de lumière. Ainsi, la photo sera plus sombre. Vous pouvez également l’utiliser pour créer une profondeur de champ profonde, où le premier plan et l’arrière-plan sont nets.
La taille de l’ouverture affecte également la quantité de détails visibles sur une photo. Une grande ouverture (faible nombre de diaphragmes) crée un aspect onirique et éthéré en adoucissant les détails, tandis qu’une petite ouverture (nombre de diaphragmes élevé) rend les détails plus nets et mieux définis.
Le choix dépend du look que vous recherchez et du type de photo que vous prenez. Les portraits, par exemple, bénéficient souvent d’une faible profondeur de champ, tandis que les photos de paysage sont généralement plus belles avec une profondeur de champ importante.
5. Les lignes directrices
Lorsque vous prenez une photo, vous souhaitez généralement attirer l’attention du spectateur sur un sujet ou un point d’intérêt principal. Aidez le spectateur à se concentrer sur ce sujet en utilisant des lignes directrices. Elles aident à diriger le regard vers un point en particulier.
Elles peuvent être créées par divers éléments, tels que des routes, des clôtures, des rivières ou des lignes électriques. L’essentiel est de les utiliser de façon à diriger le regard vers le sujet principal. Par exemple, vous pouvez utiliser une route pour diriger le regard vers un pont.
L’une des meilleures façons de trouver des lignes directrices est de les chercher pendant que vous prenez des photos. Entraînez vos yeux à les repérer et vous commencerez à les voir partout. Une fois que vous en avez trouvé, testez différentes compositions !
N’oubliez pas que les lignes directrices ne doivent pas toujours être droites. De nombreuses lignes se courbent ou se déplacent en diagonale dans un paysage de nature ou urbain. L’important est qu’elles guident le regard dans une direction spécifique.
